TOP 5 MEJORES PELÍCULAS 2025
El 2025, al igual que en el anime, nos ha dejado producciones cinematográficas muy interesantes.
Este año hemos tenido la oportunidad de cubrir bastantes festivales
como Nippon Connection, Osaka Asian Film Festival, Japan Cuts, Fantasia, Asian Film Festival Barcelona, Camera Japan o Japannual, donde hemos disfrutado de estrenos tan destacados como
"Rewrite"
(Daigo Matsui, 2025), "The Angel Island" (Ayaka Horii, 2025) o
"Daydream"
(Tatsurou Yamashiro, 2025).
Otros films dignos de mención han sido: "Happy Life" (Yoshihiko Taniguchi, 2025),
"Welcome Back"
(Naoto Kawashima, 2025), "Teki Cometh"
(Daihachi Yoshida, 2025), "How Dare You?"
(Mipo O, 2025), "The Real You"
(Yuya Ishii, 2024), "Distant Voices"
(Takashi Ito, 2025) y "Baus: The Ship’s Voyage Continues"
(Sora Okimoto, 2025).
A pesar de que este año no ha habido muchos estrenos en los cines españoles,
títulos como "Exit 8" (Genki Kawamura, 2025) o
"La doncella del lago"
(Masakazu Kaneko, 2025) han demostrado la calidad de la
cinematografía japonesa.
En Hikari No Hana hemos realizado una clasificación con los que, a título personal, han sido las mejores películas de 2025, aquéllas que más nos han llamado la atención y más nos han cautivado. Hemos visto una gran cantidad de películas a lo largo de este año, y, aunque muchas de ellas tenían su encanto, no todas han podido entrar en el top.
No obstante, antes de hablar de nuestro top 5, nos gustaría detenernos a recordar aquellos largometrajes que se quedaron a las puertas y que merecen una mención especial.
GINGER BOY
Durante la pasada edición de Osaka Asian Film Festival tuvimos el placer de poder cubrir "Ginger Boy", la cual fue galardonada en el certamen con el
Premio Japan Cuts.
La primera película de Miki Tanaka, producida con el apoyo del seminario ENBU, está protagonizada por Kai Fujita y Kei Nakafumi junto a Akari Shima.
La primera película de Miki Tanaka, producida con el apoyo del seminario ENBU, está protagonizada por Kai Fujita y Kei Nakafumi junto a Akari Shima.
El film, presentado en MOOSIC LAB y Tama New Wave, se estrenó en los cines japoneses el 25 de julio de 2025, tras ser premiada en Cannes.
Bajo la lente primeriza de Miku Tanaka, "Ginger Boy" se erige como un herbario visual sobre el deterioro de la convicción propia y la ruptura de la convivencia en un Japón atomizado. La disonancia de esa "rareza existencial" choca con la asepsia corporativa de Tokio y la rigidez de los afectos por conveniencia, donde la salud mental es representada no como una patología, sino como una interferencia inevitable en la métrica del éxito social. En última instancia, la nostalgia se convierte en un lastre hacia un futuro indescifrable.
La vigorosa fotografía de Kohei Tatsutomi es el sustrato que sostiene la sobrecogedora dualidad interpretativa dispuesta por Kai Fujita y Kei Nakafumi, donde a través de su cromatismo vibrante y saturado enmarca su vínculo hacia la frialdad más desoladora.
WE ARE ALIENS
Durante edición de la pasada edición de
Nippon Connection tuvimos el placer de poder cubrir "We Are Aliens".
La esperada nueva película de Kenichi Ugana ("Love Will Tear Us Apart"), cuenta con la fotografía de Kôichi Furuya ("Ring Wandering") y está protagonizada por Katsumi Hyodo.
El film, cuyo título original es "Minna, Uchujin" , se estrenó en los cines japoneses el 7 de junio de 2024 y se ha
presentado en
Róterdam.
El inclasificable Kenichi Ugana se aleja diametralmente de los páramos terroríficos
habituales en su filmografía hacia un sentido retrato de las
convulsas vicisitudes de la juventud japonesa actual. No obstante,
ese chocante cambio no diluye la singularidad de su
particular mirada, sino que profundiza en las problemáticas que
subyugan a la humanidad desde el prisma de la invasión de unos
entes adorables y achuchables provenientes del espacio exterior.
Al igual que ocurrió con la notable "Rolling Marbles", su encargo por la prestigiosa revista de moda NYLON ha impregnado a raíz de celebración de su vigésimo aniversario su concreción estética. La superlativa fotografía de Kôichi Furuya consigue construir atmósferas saturadas llenas de color que compactan la coralidad interpretativa encabezada por el buen hacer de Katsumi Hyodo, Sho Nishigaki y Takuya Kusakawa.
La excelsa fotografía de Hideho Urata transmuta el
celuloide hacia la luminosidad pictórica, donde su profundidad
selectiva funciona como un bisturí óptico que aísla la
individualidad en plena efervescencia económica.
Toda su calidez estética se rinde a la portentosa actuación de la debutante Yui Suzuki, cuya descarnada naturalidad tiene cierto halo reminiscente a "Moving" y "Amiko". También es digno de mención el tormentoso breve aporte del inconmensurable Ryota Bando, donde su cuestionable monstruosidad habita en la decadencia de la carne y el mandato social.
Al igual que ocurrió con la notable "Rolling Marbles", su encargo por la prestigiosa revista de moda NYLON ha impregnado a raíz de celebración de su vigésimo aniversario su concreción estética. La superlativa fotografía de Kôichi Furuya consigue construir atmósferas saturadas llenas de color que compactan la coralidad interpretativa encabezada por el buen hacer de Katsumi Hyodo, Sho Nishigaki y Takuya Kusakawa.
RENOIR
La cineasta Chie Hayakawa vuelve a nuestro top con "Renoir", la cual tuvimos el placer de poder cubrirla durante la pasada edición de
Japannual.
La directora de
"Plan 75"
dirige esta co-produccion japonesa con Francia, Singapur,
Filipinas e Indonesia, protagonizada por Yui Suzuki junto
a Hikari Ishida, Lily Franky,
Ayumu Nakajima, Yuumi Kawai y Ryota Bando.
El film, que cuenta con la fotografía de Hideho Urata ("The Box Man"), se estrenó en los cines japoneses el 20 de junio de 2025, tras su paso por Cannes.
El film, que cuenta con la fotografía de Hideho Urata ("The Box Man"), se estrenó en los cines japoneses el 20 de junio de 2025, tras su paso por Cannes.
Hayakawa compone un mosaico sobre el deseo liminal en
su relación vital y familiar, donde la mirada de su
protagonista subvierte el orden heteronormativo, hallando en
lo abyecto una autonomía sexual que desafía la rigidez del
Japón de los ochenta. La fragmentación narrativa propia de su
hermetismo adquiere una fuerza antitética a su anterior obra,
donde el futuro y la senectud es sustituida por la nostalgia
del pasado y la inocencia infantil hacia la creación de un
díptico convergente.
Toda su calidez estética se rinde a la portentosa actuación de la debutante Yui Suzuki, cuya descarnada naturalidad tiene cierto halo reminiscente a "Moving" y "Amiko". También es digno de mención el tormentoso breve aporte del inconmensurable Ryota Bando, donde su cuestionable monstruosidad habita en la decadencia de la carne y el mandato social.
La cineasta Shinzo Katayama vuelve a nuestro top con "Lust In The Rain", la cual tuvimos el placer de poder cubrirla durante la pasada edición de
Asian Film Festival Barcelona.
El director de "Missing" dirige esta co-producción entre Japón y Taiwan, basada en el manga de Yoshiharu Tsuge y protagonizada por Ryo Narita y Eriko Nakamura.
El director de "Missing" dirige esta co-producción entre Japón y Taiwan, basada en el manga de Yoshiharu Tsuge y protagonizada por Ryo Narita y Eriko Nakamura.
El film, cuyo título original es "Ame no Naka no Yokujo", cuenta con la fotografía de Naoya Ikeda ("The Blue Danube", "Ura-aka") y se estrenó en los cines japoneses el 29 de noviembre de 2024, tras su paso por Tokio.
"Lust In The Rain" es un ejemplo más de la alarmante miopía de la industria
nipona contra sus creadores, donde a pesar de tener éxitos
de la talla del dorama "Gannibal", el realizador ha tenido que recurrir
a la ayuda extranjera para lograr la libertad necesaria para
adaptar la obra de Tsuge. Desde ese precedente, la
relectura psicotrópica de su singular universo contamina su
umbral cinematográfico, donde la pasión carnal penetra su
trasfondo bélico hacia una pulsión existencial que se diluye
bajo la lluvia.
La prodigiosa fotografía de Naoya Ikeda trasciende el naturalismo para erigir un limbo espectral,
donde la humedad terrenal actúa como un barniz que
exacerba la saturación de los neones y la herrumbre
orgánica. La sequedad del gekiga se transforma hacia una atmósfera líquida y lúbrica que encapsula la genialidad inherente del cenit
interpretativo habitual de Ryo Narita.
GIVING UP WORLD DOMINATION
Nuestra última recomendación es para "Giving Up World Domination", la primera película como director del actor y músico Takumi Kitamura —miembro de la banda DISH//—.
El film, cuyo título original es "Sekaiseifuku Yameta", está basada en la canción del difunto rapero Fukashigi/wonderboy. La cinta, protagonizada por Riku Hagiwara y Hinata Todo, cuenta con la fotografía de Tomoyuki Kawakami ("Scroll") y se estrenó en Japón el 7 de febrero de 2025.
A pesar del exceso de trabajo que sufre Takumi Kitamura como parte recurrente del "star system" japonés —ya sea en doramas, producciones comerciales o con su banda—, firma desde su experiencia personal una pieza de un exquisito verismo como reflejo de la terrorífica realidad del "karôshi". Al final, el suicidio es la consecución del rechazo de quienes se niegan a validar un sistema que los cataloga como activos prescindibles.
Ahora sí, sin más preámbulos, pasemos a hablar de la razón de este artículo.
Aquí llega nuestro Top 5 de mejores películas de 2025.
5. ANZU, GATO FANTASMA
FICHA TÉCNICA → Estreno: 16 de mayo de 2025 | Director: Nobuhiro Yamashita y Yoko Kuno | Distribuidora: Selecta Visión | Género: Comedia, Fantasía
"Anzu, gato fantasma" es la nueva película de Yoko Kuno (directora de animación en "El caso de Hana y Alice") y Nobuhiro Yamashita ("Let's Go Karaoke!") en los estudios SHIN-EI ANIMATION ("Doraemon: El nuevo dinosaurio de Nobita") y MIYU PRODUCTIONS (cortometraje "Nezumikozo Jirokichi").
La cinta, cuyo título original es "Bakeneko Anzu-chan", basada en el manga de Takashi Imashiro, llegó a los cines japoneses el 19 de julio de 2024 y se ha presentado en
la Quincena de Realizadores de Cannes, Annecy, Fantasia, Fancine, Seminci, BCN Film Fest Manga Barcelona y Sitges. El film, precandidato a los Oscars, llegó a los cines españoles el 16 de mayo de 2025 de la mano
de SELECTA VISIÓN.
En medio de un fuerte aguacero, un monje encuentra a un gatito al que bautiza como Anzu y cría con esmero. Sin embargo, 30 años después, el gatito no sólo no ha muerto, sino que se ha convertido en un “gato fantasma” que habla y vive como un ser humano. A sus 37 años, viaja en ciclomotor y trabaja a tiempo parcial como masajista.
Un día, el anciano monje le pide a Anzu que cuide de Karin, su nieta de 11 años que ha sido abandonada por su padre, y este acepta a regañadientes. Al principio, sus personalidades enérgicas chocan y saltan chispas, pero poco a poco empiezan a entenderse.
Entonces, Karin le pide un favor a Anzu, quiere volver a ver a su madre fallecida. Ese es el punto de partida para un dramático viaje que les llevará hasta el mismísimo Infierno.
Yoko Kuno ya demostró hace casi 10 años que era la única capacitada para trasladar de su espectro cinematográfico un estilo tan personal como el de Shunji Iwai al mundo de la animación. En esta ocasión, la directora ha decidido unir fuerzas con Nobuhiro Yamashita para desdibujar la difusa frontera entre la realidad fílmica y la plasmación de su imaginario animado.
A pesar de las más que aparentes semejanzas con GHIBLI y su "Mi vecino Totoro", Yamashita ha
sabido articular desde su inteligencia y su peculiar personalidad un
relato totalmente novedoso al rodar previamente las escenas como si
fuera una de sus películas. Su verdadero valor reside en adentrarse en
su esencia independiente en la decisión de contar con el guion
de Shinji Imaoka ("Is This Heaven?") y, muy especialmente, en su rencuentro con Mirai Moriyama, tras la sensacional "A Gentle Breeze in the Village".
"Anzu, gato fantasma" se retrotrae a las mismas raíces de "Mutafukaz" en la necesidad compartida de su producción internacional en ámbitos
tan excluyentes como es la animación japonesa. Esa estrecha cooperación
entre los dos estudios ha conseguido a través de su portentoso trabajo
converger la narración desde su apacible costumbrismo hacia la locura
fantasmagórica habitual de Masaaki Yuasa en "The Night Is Short, Walk On Girl".
FICHA TÉCNICA → Estreno: 1 de octubre de 2025 | Director: Neo Sora | Distribuidora: Eurozoom | Género: Drama
Aunque "Happyend" se estrenó en Japón el 4 de
octubre de 2024, nosotros tuvimos el placer de poder cubrir la
película en la pasada edición de
Nippon Connection, previo a su paso por las salas francesas el 1 de octubre de
2025.
Está co-producción entre Japón y Estados Unidos está dirigida y escrita
por Neo Sora,
hijo de Ryuichi Sakamoto, y protagonizada por Yukito Hidaka, Hayato Kurihara, Ayumu Nakajima, Shiro Sano y Makiko Watanabe.
Su argumento nos traslada a un futuro cercano alternativo y transcurre en Tokio, donde la amenaza de un terremoto catastrófico invade la vida cotidiana de la gente.
Ante tal contexto, dos estudiantes, que son íntimos amigos de la infancia, gastan una broma por su graduación al director, lo que provoca la instalación de un sistema de vigilancia que monitorizará todos los movimientos de los estudiantes.
Neo Sora orquesta una sinfonía de la disidencia donde la textura
granulada de la memoria juvenil choca contra la frialdad aséptica de un
panóptico digital. Mediante las perspectivas cercenadas y encuadres
opresivos de su particular versión del coming-of-age, la obra se adentra en un
estudio dialéctico sobre la amnesia histórica japonesa y el racismo
sistémico heredado en su representación de los Zainichi.
La narrativa, impregnada de una transculturalidad visceral fruto de su naturaleza como co-producción, evita el fetiche de la catástrofe para centrarse en la erosión de la amistad como daño colateral del despertar político. El sonido no solo puntúa la tensión tectónica, sino que actúa como un manifiesto sónico que reivindica el ruido frente a la docilidad cívica impuesta.
Aunque rodada íntegramente en Japón con talento local, la cinta opera bajo una estructura de producción independiente estadounidense, patente en lo dispuesto por la saturada fotografía de Bill Kirstein. A través de su puesta en escena centrada en composiciones que enfatizan estructuras arquitectónicas masivas y opresivas, elimina el horizonte y las grandes panorámicas celestes para potenciar su claustrofobia social y premonición de colapso.
Ante tal escenario sobresale la descomunal dupla interpretativa de Hayato Kurihara y Yukito Hidaka, donde su impulso latente habita en los silencios y en una proximidad física que desafía la heteronormatividad del entorno escolar.
La narrativa, impregnada de una transculturalidad visceral fruto de su naturaleza como co-producción, evita el fetiche de la catástrofe para centrarse en la erosión de la amistad como daño colateral del despertar político. El sonido no solo puntúa la tensión tectónica, sino que actúa como un manifiesto sónico que reivindica el ruido frente a la docilidad cívica impuesta.
Aunque rodada íntegramente en Japón con talento local, la cinta opera bajo una estructura de producción independiente estadounidense, patente en lo dispuesto por la saturada fotografía de Bill Kirstein. A través de su puesta en escena centrada en composiciones que enfatizan estructuras arquitectónicas masivas y opresivas, elimina el horizonte y las grandes panorámicas celestes para potenciar su claustrofobia social y premonición de colapso.
Ante tal escenario sobresale la descomunal dupla interpretativa de Hayato Kurihara y Yukito Hidaka, donde su impulso latente habita en los silencios y en una proximidad física que desafía la heteronormatividad del entorno escolar.
En definitiva, "Happyend" hereda el perfil humanista
del padre del cineasta para ensamblar una pieza de orfebrería
cinematográfica capaz de diseccionar la parálisis de una sociedad que,
mientras aguarda el gran sismo, ha permitido que los avances
tecnológicos —sobre todo, por la alarmante imposición de la inteligencia artificial— suplante la empatía humana. Ante todo, consolida a su director como
la voz más pulsante y necesaria del nuevo cine nipón.
3. SEASIDE SERENDIPITY
FICHA TÉCNICA → Estreno: 29 de agosto de 2025 | Director: Satoko Yokohama | Distribuidora: Free Stone Productions | Género: Drama
La medalla de bronce es para "Seaside Serendipity", la cual tuvimos el placer de poder cubrirla durante la pasada edición de Asian Film Festival Barcelona.
La esperada nueva película de Satoko Yokohama ("Ito"), basada en el manga de Gin Miyoshi, se estrenó en las salas japonesas el 29 de agosto de 2025, tras ser premiada en La Berlinale.
El film, cuyo título original "Umibe e Iku Michi", cuenta con la fotografía de Yuta Tsukinaga ("Madres verdaderas", "What She Likes", "El combate de Keiko") y está protagonizada por Konosuke Harada junto Kumiko Aso, Kengo Kora y Nobuhiro Suwa.
Satoko Yokohama abraza la imperfección artística como una estampa fílmica capaz de darle un nuevo sentido al tapiz minimalista del manga de Gin Miyoshi, marcando una frontera pavorosa entre la inocencia creativa infantil y el mundo inestable de los adultos. En este ecosistema litoral, la serendipia transfiere la fragilidad hacia el hallazgo de lo cotidiano, donde el arte surge de la colisión fortuita entre personajes errantes y los paisajes que respiran.
La plasticidad de su ecosistema se mimetiza con su inconcreción interpretativa, donde la cautivadora actuación del jovencito Konosuke Harada trasciende a la literalidad narrativa. La improvisación deja de ser un accidente para reflejar la honestidad reactiva en el tejido conectivo de la obra, permitiendo que respire a través de una espontaneidad orgánica y no premeditada. Nada de su papel está impuesto ni forzado por directrices ajenas en favor de la autenticidad de lo real.
En definitiva, "Seaside Serendipity" se niega a ser domesticada por la lógica comercial, prefiriendo la textura de la brisa marina y lo absurdo de la condición humana en favor de una síncopa surrealista que desafía la validación externa como un umbral entre lo tangible y lo onírico. Esa premonición invisible e indescriptible simboliza el arte como catalizador de la madurez, donde los niños, libres de imposturas, exploran posibilidades infinitas.
Su argumento está ambientado en una ciudad costera a la que suelen ir los artistas. Sosuke, un joven de 14 años, y sus amigos se mantienen ocupados pintando y ayudando con los proyectos escolares. Un día, los muchachos, quienes no tienen nada de lo que preocuparse, se relacionaran con los adultos, los cuales esconde muchos secretos.
Satoko Yokohama abraza la imperfección artística como una estampa fílmica capaz de darle un nuevo sentido al tapiz minimalista del manga de Gin Miyoshi, marcando una frontera pavorosa entre la inocencia creativa infantil y el mundo inestable de los adultos. En este ecosistema litoral, la serendipia transfiere la fragilidad hacia el hallazgo de lo cotidiano, donde el arte surge de la colisión fortuita entre personajes errantes y los paisajes que respiran.
La evocadora y arrebatadora fotografía de Yuta Tsukinaga se compacta con el hiperrealismo estival, donde la luz de Shodoshima actúa como un velo que difumina el horizonte entre el sueño y la realidad. Su cosmogonía pictórica se perfila como una postal turística, donde sus encuadres son espacios inertes despojados del artificio, circundantes al formato manga para enfatizar la distancia de irrealidad entre generaciones.
La plasticidad de su ecosistema se mimetiza con su inconcreción interpretativa, donde la cautivadora actuación del jovencito Konosuke Harada trasciende a la literalidad narrativa. La improvisación deja de ser un accidente para reflejar la honestidad reactiva en el tejido conectivo de la obra, permitiendo que respire a través de una espontaneidad orgánica y no premeditada. Nada de su papel está impuesto ni forzado por directrices ajenas en favor de la autenticidad de lo real.
En definitiva, "Seaside Serendipity" se niega a ser domesticada por la lógica comercial, prefiriendo la textura de la brisa marina y lo absurdo de la condición humana en favor de una síncopa surrealista que desafía la validación externa como un umbral entre lo tangible y lo onírico. Esa premonición invisible e indescriptible simboliza el arte como catalizador de la madurez, donde los niños, libres de imposturas, exploran posibilidades infinitas.
2. SHE TAUGHT ME SERENDIPITY
FICHA TÉCNICA → Estreno: 25 de abril de 2025 | Director: Akiko Ohku | Distribuidora: Nikkatsu | Género: Drama
La medalla de plata es para "She Taught Me Serendipity", la cual tuvimos el placer de poder cubrirla durante la pasada edición de de Camera Japan.
La esperada nueva película de Akiko Ohku ("My Sweet Grappa Remedies", "Hold Me Back"), protagonizada por Riku Hagiwara y Yuumi Kawai y basada en la novela de Shûsuke Fukutoku.
El film, cuyo título original es "Kyo no Sora ga Ichiban Suki, to Mada Ienai Boku wa", se estrenó en los cines japoneses el 25 de abril de 2025, tras su paso por el festival de Tokio. También se ha presentado en Japan Cuts, Camera Japan y Nippon Connection.
Su argumento gira en torno a Toru Konishi (Riku Hagiwara), un joven universitario que pasa los días aburrido saliendo con su único amigo de la escuela y limpiando una casa de baños como trabajo a tiempo parcial.
Un día, ve a Hana Sakurada (Yumi Kawai) en una clase y queda cautivado por su aspecto digno con el pelo recogido en un moño.
Akiko Ohku se desprende por completo de los tropos simplistas y convencionalismos baratos del género romántico hacia la parálisis emocional estandarizada, focalizada en la incapacidad del protagonista de validar el presente mientras el ruido del mundo y la mezquindad defensiva lo aíslan. La serendipia melancólica marca la soledad de la juventud en su intento de reconciliar su derecho a la felicidad con el miedo a la pérdida inminente.
El filme es incapaz de ignorar la realidad actual, marcada por las profundas fracturas sociales, los conflictos globales —llegando a posicionarse en contra del genocidio de cierto país de Oriente Medio— y la desolación post-pandémica como válvula narrativa de la psique de sus personajes.
La excepcional fotografía de Natsuyo Nakamura —habitual en prácticamente toda la filmografía de la directora— permuta su gramática ecléctica y disruptiva, alternando composiciones fragmentadas en su formato cenital de una belleza gélida. Mientras que los largos planos secuencia son el testigo silencioso que reflecta la luz cambiante del firmamento con una sensibilidad casi táctil.
El paisaje urbano se erige como el receptáculo donde las interpretaciones adquieren una dimensión casi arquitectónica. Riku Hagiwara demuestra que no solo es una cara bonita para los doramas BL y producciones comerciales, sino que su talento desborda por completo la pantalla. No obstante, la excelencia interpretativa no estaría completa sin los dos vértices del trinomio: la vulnerabilidad telúrica de Yumi Kawai y el humor cáustico de Aoi Ito hacia su sinceridad mas devastadora.
En definitiva, "She Taught Me Serendipity" alcanza la cima creativa en la trayectoria de Akiko Ooku, una suerte de depuración estilística donde el rastro de su anterior y anodino encargo comercial queda relegado a un peaje necesario. Tras ese interludio, la directora resurge para firmar la pieza más rotunda de su filmografía. Esta cinta no solo redime sus pasos en falso, sino que se erige como su trabajo más lúcido y e inspirado hasta la fecha.
Hiroshi Okuyama articula desde la lírica reminiscente de Humbert Humbert un eje semántico que conecta con la emoción contenida del recuerdo infantil del director por el patinaje artístico. En esta coreografía de lo invisible, la crudeza lumínica abandona su precedente nostálgico para compactar la belleza trágica de aquello que nace condenado al deshielo como la única sintaxis posible ante el tartamudeo vital.
Su impronta queer trasciende desde su amor declarado por el cine de Ryosuke Hashiguchi —sobre todo, su significativa enseñanza con "Like Grains of Sand"— hacia la definición por una neutralidad subversiva que rechaza los tropos sensacionalistas, donde no busca infantilizar el dolor de las minorías, sino normalizar la presencia de identidades diversas en el espacio público. Al final, la crueldad propia de los prejuicios no siempre nace de la malicia, sino de la incapacidad de la inocencia para procesar la complejidad de los deseos adultos.
La extraordinaria fotografía es indivisible a las motivaciones propias del director, quien gracias al dinamismo de su cámara da forma a un sistema nervioso irremplazable. Su propuesta se aleja del preciosismo digital para abrazar la fluidez orgánica que dialoga con la vulnerabilidad de la infancia, donde grano cinematográfico parece retener el último aliento del invierno. Ahí es cuando el trípode y la artificialidad de la steadycam convencional desaparecen por completo para acompañar a sus personajes.
Los espacios en blanco esbozados por su ecosistema son habitados por la vastedad interpretativa del debutante Keitatsu Koshiyama, cuya inocente ternura entran en conflicto la sutil indiferencia de la loable Kiara Nakanishi. El contrapunto de la naturalidad infantil reside en la veteranía de los siempre apasionantes Sôsuke Ikematsu y Ryuya Wakaba, cuya relación se permea hacia una nueva sensibilidad integrada en la cotidianidad homosexual.
En definitiva, "My Sunshine" no sólo es la mejor película del año y una de las propuestas mas infravaloradas de la pasada temporada de premios, sino que es lo que cualquier producción queer aspirar a ser. En última instancia, Hiroshi Okuyama, gracias a su bagaje impresionista, hilvana uno de los ejercicios cinematográficos más bellos que se han visto en las últimas décadas.
La excepcional fotografía de Natsuyo Nakamura —habitual en prácticamente toda la filmografía de la directora— permuta su gramática ecléctica y disruptiva, alternando composiciones fragmentadas en su formato cenital de una belleza gélida. Mientras que los largos planos secuencia son el testigo silencioso que reflecta la luz cambiante del firmamento con una sensibilidad casi táctil.
El paisaje urbano se erige como el receptáculo donde las interpretaciones adquieren una dimensión casi arquitectónica. Riku Hagiwara demuestra que no solo es una cara bonita para los doramas BL y producciones comerciales, sino que su talento desborda por completo la pantalla. No obstante, la excelencia interpretativa no estaría completa sin los dos vértices del trinomio: la vulnerabilidad telúrica de Yumi Kawai y el humor cáustico de Aoi Ito hacia su sinceridad mas devastadora.
En definitiva, "She Taught Me Serendipity" alcanza la cima creativa en la trayectoria de Akiko Ooku, una suerte de depuración estilística donde el rastro de su anterior y anodino encargo comercial queda relegado a un peaje necesario. Tras ese interludio, la directora resurge para firmar la pieza más rotunda de su filmografía. Esta cinta no solo redime sus pasos en falso, sino que se erige como su trabajo más lúcido y e inspirado hasta la fecha.
1. MY SUNSHINE
FICHA TÉCNICA → Estreno: 26 de septiembre de 2025 | Director: Hiroshi Okuyama | Distribuidora: Filmin | Género: Drama
La medalla de oro es para "My Sunshine", la cual tuvimos el placer de poder cubrirla durante la pasada edición de Nippon Connection.
Está co-producción entre Japón y Francia está dirigida por Hiroshi Okuyama y protagonizada por Sôsuke Ikematsu junto a Ryuya Wakaba, Keitatsu Koshiyama y Kiara Nakanishi.
El film, cuyo título original es "Boku no Ohisama", cuyo paso por los cines japoneses tuvo lugar el 6 septiembre de 2024, tras su paso por el festival de Cannes. Por su parte, FILMIN la estrenó en España el 26 de septiembre de 2025, tras presentarse en San Sebastián, Asian Film Festival Barcelona, Japan Cuts, Toronto, Japannual y Busan.
Por otra parte, la cinta ha sido premiada en TAMA, Mainichi, Kinema junpo, Nikkan Sports, Yokohama, Hochi y por La Academia Japonesa de Cine.
Por otra parte, la cinta ha sido premiada en TAMA, Mainichi, Kinema junpo, Nikkan Sports, Yokohama, Hochi y por La Academia Japonesa de Cine.
El argumento se ambienta en la isla de Hokkaido, donde durante el invierno los chicos suelen practicar hockey. No obstante, Takuya está más interesado por el patinaje artístico desde la primera vez que vio a Sakura, una recién llegada de Tokio.El jovencito intenta imitarla torpemente, hasta el punto de que el entrenador de Sakura, conmovido por su esfuerzo, decide entrenarlos como dúo con vistas a una próxima competición.
A medida que avanza el invierno, se crea una unión armónica entre ellos a pesar de sus diferencias. No obstante, las primeras nieves empiezan a derretirse e inevitablemente llega la primavera.
Hiroshi Okuyama articula desde la lírica reminiscente de Humbert Humbert un eje semántico que conecta con la emoción contenida del recuerdo infantil del director por el patinaje artístico. En esta coreografía de lo invisible, la crudeza lumínica abandona su precedente nostálgico para compactar la belleza trágica de aquello que nace condenado al deshielo como la única sintaxis posible ante el tartamudeo vital.
Su impronta queer trasciende desde su amor declarado por el cine de Ryosuke Hashiguchi —sobre todo, su significativa enseñanza con "Like Grains of Sand"— hacia la definición por una neutralidad subversiva que rechaza los tropos sensacionalistas, donde no busca infantilizar el dolor de las minorías, sino normalizar la presencia de identidades diversas en el espacio público. Al final, la crueldad propia de los prejuicios no siempre nace de la malicia, sino de la incapacidad de la inocencia para procesar la complejidad de los deseos adultos.
La extraordinaria fotografía es indivisible a las motivaciones propias del director, quien gracias al dinamismo de su cámara da forma a un sistema nervioso irremplazable. Su propuesta se aleja del preciosismo digital para abrazar la fluidez orgánica que dialoga con la vulnerabilidad de la infancia, donde grano cinematográfico parece retener el último aliento del invierno. Ahí es cuando el trípode y la artificialidad de la steadycam convencional desaparecen por completo para acompañar a sus personajes.
Los espacios en blanco esbozados por su ecosistema son habitados por la vastedad interpretativa del debutante Keitatsu Koshiyama, cuya inocente ternura entran en conflicto la sutil indiferencia de la loable Kiara Nakanishi. El contrapunto de la naturalidad infantil reside en la veteranía de los siempre apasionantes Sôsuke Ikematsu y Ryuya Wakaba, cuya relación se permea hacia una nueva sensibilidad integrada en la cotidianidad homosexual.
En definitiva, "My Sunshine" no sólo es la mejor película del año y una de las propuestas mas infravaloradas de la pasada temporada de premios, sino que es lo que cualquier producción queer aspirar a ser. En última instancia, Hiroshi Okuyama, gracias a su bagaje impresionista, hilvana uno de los ejercicios cinematográficos más bellos que se han visto en las últimas décadas.
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