TOP 5 MEJORES PELÍCULAS 2018
En Hikari No Hana hemos realizado una clasificación con los que, a título personal, han sido las mejores películas de 2018, aquéllas que más nos han llamado la atención y más nos han cautivado.Hemos visto una gran cantidad de película a lo largo de este año, y, aunque muchas de ellos tenían su encanto, no todos han podido entrar en el top.
No obstante, antes de hablar de nuestro top 5, nos gustaría detenernos a recordar aquellos largometrajes que se quedaron a las puertas y que merecen una mención especial.
THE TOKYO NIGHT SKY IS ALWAYS THE DENSEST SHADE OF BLUE
"Tokyo Night Sky Is Always the Densest Shade of Blue" fue uno de los estrenos más destacados dentro del circuito independiente japonés, que desde su premiere mundial en la Berlinale, ha pasado por numerosos certámenes internacionales como Hong Kong, Japan Cuts o Nippon Connection y ha ganado prestigiosos premios del nivel de Mejor Director en los Asian Film Awards; Mejor Película, Mejor Guión y Mejor Actriz Revelación en los Kinema Junpo Awards; Tokyo Gemstone Award en el festival de Tokio; y Mejor Actriz Revelación en los Blue Ribbon Awards. Pese a ser una producción de 2017, en España se proyectó el pasado año en Asian Film Festival Barcelona y Spain Moving Images Festival. El film lamentablemente no esta licenciado en España.
El cineasta ha adaptado el libro de poemas "Yozora wa Itsudemo Saiko Mitsudo no Aoiro da" de Tahi Saihate, publicado el 17 de mayo por Little More. La historia se centra en Mika, una chica que por la mañana trabaja como enfermera; y por la noche, en un bar de chicas. Un día, conoce a Shinji, un asalariado, y establecen una relación de atracción mutua. El director, a través de una narración cargada de poesía, nos mete en la piel de dos almas perdidas, carcomidas por una sociedad podrida por el capitalismo y el progreso. La depresión y la soledad marcan la vida de los protagonistas, brillantemente interpretados por Shizuka Ishibashi y Sosuke Ikematsu. Bajo el halo de las luces de neón del cielo nocturno de Tokio, la única manera de escapar será afrontar el futuro y la vida que nos ha tocado vivir. En ocasiones lo ideal es abandonar cualquier relación tóxica, porque muchas veces la persona que menos te esperas, es la correcta.
ZAN
La segunda mención especial recae sobre la esperada nueva película de Shinya Tsukamoto. Desde su premiere mundial en Venecia, se ha presentando en los festivales más importantes del circuito internacional como Busan, Toronto, Sitges, donde tuvimos el placer de asistir a su proyección, y se encuentra nominado en los Asian Film Awards. El film lamentablemente no esta licenciado en España.
Tsukamoto, uno de los grandes exponentes del cine independiente japonés, vuelve por todo lo alto tras más 4 años de letargo fílmico. Después de ahondar en el cine bélico con "Nobi", nos presenta su particular visión del género chanbara. El realizador nipón parte del contexto histórico de la época pre-restauración Meiji para regalarnos un apasionante relato lleno de introspección poética sobre la muerte, el honor y el bushido. Un punto aparte son las brillantes interpretaciones de Yu Aoi y Sôsuke Ikematsu, y, en especial, la sutil y evocadora banda sonora de Chu Ishikawa, ganadora del premio a la mejor banda sonora en Sitges, que es capaz de transmitir a la perfección la sensación de agobio y desasosiego de aquella época.
PENGUIN HIGHWAY
Continuamos con "Penguin Highway", el debut cinematográfico para estudio COLORIDO de Hiroyasu Ishida ("Hinata no Aoshigure"), un experimentado animador que hasta la fecha había realizado cortometrajes y OVAs. Presentada en Annecy y en Fantasia, donde ganó el Premio Satoshi Kon a mejor largometraje de animación. Hasta la fecha el film no cuenta con distribución en nuestro país y sólo se ha podido disfrutar en el festival de Sitges. El film lamentablemente no esta licenciado en España
El guionista Makoto Ueda, tras trabajar con Masâki Yuasa en las adaptaciones "The Tatami Galaxy" (MADHOUSE, 2010) o la reciente "Night is Short, Walk on Girl" (SCIENCE SARU, 2017), vuelve a basarse en otra de novelas de Tomihiko Morimi para contarnos la historia de Aoyama, un chico de cuarto de primaria, y una misteriosa mujer que trabaja como asistente de dentista, el primer amor del chico. Un buen día, un grupo de pingüinos aparece en el vecindario y Aoyama se encargará de descubrir el motivo de su aparición. Con un estilo de animación que recuerda a producciones de Mamoru Hosoda, logra plasmar la esencia de la obra original. Una mágica y tierna historia sobre la madurez, el amor y la amistad, donde habrá algunas incógnitas que harán reflexionar al espectador.
BURNING
La siguiente mención especial que también pudimos verla en Sitges es Burning, la esperada nueva película de Lee Chang-Dong. El film, co-producido por NHK, está basada en el relato corto japonés "Barn Burning" de Haruki Murakami. La película llegó a los cines españoles el pasado 19 de octubre de la mano de VÉRTIGO FILMS. Desde su premiere mundial en Cannes, donde se alzó con la Palma de Oro de la crítica, ha cosechando una gran cantidad de reconocimientos, como su nominación a los Critic Choice, ser una de las precandidatas a los Oscar en la categoría de mejor película extranjera por Corea del Sur, y se ha presentado en festivales del calibre de Londres o Toronto.
Este falso thriller romántico de corte existencialista enmascara un apasionante drama, sobre la condición humana, centrándose en la maldad, el amor tóxico, las relaciones entre individuos, la diferencia de clases sociales y la soledad. La historia emana un tono melancólico en el que, al igual que el devenir de los protagonistas, se irá cociendo a fuego lento a partir del lirismo de la intimidad cotidiana, sustentada en la ambigüedad dramática y las elipsis narrativas, hasta el catártico final. Magistralmente interpretada por Jun Jong-Seo, Yoo Ah-In y Steven Yeun. Un obra de una complejidad inconmensurable cargada de un profundo contraste entre las luces y sombras de la humanidad. La reflexión será fundamental para comprender todas las vertientes de lo vivido durante las más de dos horas de trama.
RIVER'S EDGE
Terminamos nuestras menciones especiales con el live-action "River Edge". El reputado director Isao Yukisada se embarca en su primer adaptación de un manga. La cinta hizo historia abriendo la sección Panorama de La Berlinale, donde se alzaría con el premio Fipresci, el mismo galardón que consiguió 10 años atrás con la prodigiosa "Parade". Desde entonces se ha presentado en festivales de la talla de Fantasia, Hong-Kong y New York Asian Film Festival. El film lamentablemente no esta licenciado en España ni ha pasado por ningún festival nacional.
Misaki Setoyama ("Japanese Girls Never Die") adapta el manga de culto de Kyoko Okazaki, publicado en 1993 en la revista Cutie y editado más tarde por TAKARJIMASHA. La historia gira en torno a Haruna Wakagusa e Ichirô Yamada, un chico homosexual que sufre un continuo bullying en la escuela, excepcionalmente interpretado por Fumi Nikaido y Ryo Yoshizawa. Ambos se hacen amigos después de que ella le proteja y ayude tras las continuas vejaciones de Kannonzaki, su ex-novio. Ichirô comparte un terrible secreto con Haruna: el descubrimiento de un cadáver en la orilla del río. Desde ese momento, sus vidas cambiarán drásticamente. Se trata de un retrato realista y desasosegante de la depresiva y angustiosa juventud de principios de los 90's, la cual bebe del cine queer, muy especialmente de la obra de Gregg Araki y su "Mysterious Skin" (2004). Se desprende de todos los tabúes de la época para regalarnos una profunda reflexión sobre la decadencia humana. La perturbadora banda sonora de Hiroko Sebu hace de hilo conductor en antítesis con el evocador tema principal "Arpeggio" de Kenji Ozawa.
Ahora sí, sin más preámbulos, pasemos a hablar de la razón de este artículo. Aquí llega nuestro Top 5 de mejores películas de 2018.
5. THE BLOOD OF WOLVES
FICHA TÉCNICA → Estreno: 12 de mayo de 2018 | Director: Kazuya Shiraishi | Distribuidora: TOEI | Género: Drama, Yakuza, Policíaco
Durante la pasada edición de Sitges tuvimos el placer de asistir a la proyección de una de las cintas más aclamadas de Kazuya Shiraishi. "The Blood of Wolves" se ha convertido en una de las películas más aclamadas por la crítica japonesa, ganando la 43ª edición de los Hochi Film Awards, y ha tenido una importante presencia en el circuito internacional, presentándose en Nueva York, Udine, Nippon Connection y Tokio.
La historia está basada en la novela "Korô no Chi" de Yuko Yuzuki y nos sitúa en la Hiroshima de 1988, poco antes de que se promulgue la ley contra el crimen organizado. Los detectives Shogo Ogami y Shuichi Hioka están investigando la desaparición de un empleado de una importante compañía financiera. Sin embargo, todo estallará por los aires cuando se involucren los diferentes clanes de la Yazuka, ya que se sospecha que Ogami tiene una estrecha relación con ellos.
Kazuya Shiraishi, tras el galardonado dramón "Birds Without Names" y su particular homenaje al Roman Porno con "Dawn of Fellines", retoma la senda del thriller criminal, marcada por la deslumbrante "The Devil's Path", con "The Blood of Wolves". El cineasta, a través de la mirada del detective Ogami, pretende reflejar una sociedad putrefacta y deshumanizada, cuya única motivación es tomar el poder por cualquier medio, ya sea mediante asesinatos, palizas y chantajes. Ese punto de vista confronta con la llegada al cuerpo del recién llegado Shuichi Hioka, que destila idealismo y bondad por su oficio. Pese a enfrentarse al desengaño de la realidad, el joven será fiel a sus ideales. La corrupción sistémica hará de elemento catalizador en la lucha entre las mafias y la investigación policial.
Se trata de una vuelta de tuerca al género Yakuza, en el que recoge las influencias de grandes clásicos del género como Kinji Fukasaku, Hideo Gosha y su maestro Koji Wakamatsu, sobre todo en el tratamiento decadente y explícito de las escenas. Deconstruye todos esos clichés característicos para crear un obra llena de frescura y personalidad. El cineasta dota de una gran humanidad y complejidad a sus personajes, patente sobre todo en la relación paterno-filial entre los dos policías, apoyada por completo por las prodigiosas interpretaciones de Tori Matsuoaka y Koji Yakusho.
Otro punto aparte es su excepcional ambientación, conseguida gracias a la excelsa fotografía de Takahiro Haibara, llena de tonos sombríos, sucios y ocres, y potenciada por la turbia iluminación y la banda sonora Goro Yasukawa, capaz de recrear a la decadente Hiroshima de finales de los años 80.
La historia está basada en la novela "Korô no Chi" de Yuko Yuzuki y nos sitúa en la Hiroshima de 1988, poco antes de que se promulgue la ley contra el crimen organizado. Los detectives Shogo Ogami y Shuichi Hioka están investigando la desaparición de un empleado de una importante compañía financiera. Sin embargo, todo estallará por los aires cuando se involucren los diferentes clanes de la Yazuka, ya que se sospecha que Ogami tiene una estrecha relación con ellos.
Kazuya Shiraishi, tras el galardonado dramón "Birds Without Names" y su particular homenaje al Roman Porno con "Dawn of Fellines", retoma la senda del thriller criminal, marcada por la deslumbrante "The Devil's Path", con "The Blood of Wolves". El cineasta, a través de la mirada del detective Ogami, pretende reflejar una sociedad putrefacta y deshumanizada, cuya única motivación es tomar el poder por cualquier medio, ya sea mediante asesinatos, palizas y chantajes. Ese punto de vista confronta con la llegada al cuerpo del recién llegado Shuichi Hioka, que destila idealismo y bondad por su oficio. Pese a enfrentarse al desengaño de la realidad, el joven será fiel a sus ideales. La corrupción sistémica hará de elemento catalizador en la lucha entre las mafias y la investigación policial.
Se trata de una vuelta de tuerca al género Yakuza, en el que recoge las influencias de grandes clásicos del género como Kinji Fukasaku, Hideo Gosha y su maestro Koji Wakamatsu, sobre todo en el tratamiento decadente y explícito de las escenas. Deconstruye todos esos clichés característicos para crear un obra llena de frescura y personalidad. El cineasta dota de una gran humanidad y complejidad a sus personajes, patente sobre todo en la relación paterno-filial entre los dos policías, apoyada por completo por las prodigiosas interpretaciones de Tori Matsuoaka y Koji Yakusho.
Otro punto aparte es su excepcional ambientación, conseguida gracias a la excelsa fotografía de Takahiro Haibara, llena de tonos sombríos, sucios y ocres, y potenciada por la turbia iluminación y la banda sonora Goro Yasukawa, capaz de recrear a la decadente Hiroshima de finales de los años 80.
4. SIDE JOB
FICHA TÉCNICA → Estreno: 2 de febrero de 2018 | Director: Ryuichi Hiroki | Distribuidora: GAGA | Género: Drama
El pasado mes de junio el Festival de Granada Cines del Sur celebró la premiere española de una de las últimas películas mas aclamadas del prolífico y reputado cineasta Ryuichi Hiroki. SIDE JOB previamente se ha presentado en certámenes del nivel de Busan, Far East Festival o Shangai y ha sido reconocido por los prestigiosos galardones Kinema Junpo Awards como una de las 10 mejores estrenos del año pasado.
La historia se ambienta en el Fukushima de después de la hecatombe humanitaria y civil producida por el terremoto y el posterior desastre nuclear del 11 de marzo de 2011, y cómo afectó a la vida de los habitantes que se vieron obligados a malvivir y a ser trasladados a otros lugares por motivos de seguridad. Se centra en la vida de Miyuki, una chica que tiene un doble trabajo: los días laborables es funcionaria en un ayuntamiento y los fines de semana es prostituta en Tokio. Ella lo único que busca es encontrar una razón para vivir y poder sanar sus más profundas heridas emocionales.
Ryuichi Hiroki, referente del pinku eiga y unos de introductores más representativos de la temática homosexual en el cine moderno japonés, está centrado desde hace algunos años casi en exclusiva en producciones más comerciales para grandes estudios como "The Miracles of the Namiya General Store" o live-actions como "Marmalade Boy". Tiempo después de ganarse el respeto internacional con la espectacular "Vibrator" (2003), vuelve con su obra más personal e introspectiva. El cineasta, oriundo de Fukushima, parte de la novela "River" (publicada en 2015 por la editorial Kawade Shobo Shinsha Publishers), escrita por él mismo, para adentrarnos en las vidas de las personas que, al igual que muchos japoneses, lo perdieron todo.
La cinta huye de cualquier sensacionalismo barato para centrase en un profundo estudio psicológico de los supervivientes del desastre y de su manera de afrontar su nueva vida. Como bien dice el titulo original, "Kanojo no Jinsei wa Machigai Janai", ellos no tienen la culpa de seguir viviendo. El punto focal de todos los personajes se centra en Miyuki. Ella está en una constante búsqueda de algo que le ayude a soportar su existencia y la prostitución es lo único que le reconforta. La memoria es el punto de eclosión de todo ese dolor: depresión, suicidio, soledad, apatía y desasosiego. Para seguir avanzando, hay que dejar el pasado atrás. Al final emana un precioso mensaje de armonía con la naturaleza y de la esperanza de un futuro mejor.
La narración se desarrolla a través de un ritmo pausado y contemplativo, donde destaca la maravillosa interpretación de Kumi Takiuchi, la bella y sobrecogedora fotografía de Atsuhiro Nabeshima y la descorazonadora banda sonora de Yoshihiro Hanno.
Ryuichi Hiroki, referente del pinku eiga y unos de introductores más representativos de la temática homosexual en el cine moderno japonés, está centrado desde hace algunos años casi en exclusiva en producciones más comerciales para grandes estudios como "The Miracles of the Namiya General Store" o live-actions como "Marmalade Boy". Tiempo después de ganarse el respeto internacional con la espectacular "Vibrator" (2003), vuelve con su obra más personal e introspectiva. El cineasta, oriundo de Fukushima, parte de la novela "River" (publicada en 2015 por la editorial Kawade Shobo Shinsha Publishers), escrita por él mismo, para adentrarnos en las vidas de las personas que, al igual que muchos japoneses, lo perdieron todo.
La cinta huye de cualquier sensacionalismo barato para centrase en un profundo estudio psicológico de los supervivientes del desastre y de su manera de afrontar su nueva vida. Como bien dice el titulo original, "Kanojo no Jinsei wa Machigai Janai", ellos no tienen la culpa de seguir viviendo. El punto focal de todos los personajes se centra en Miyuki. Ella está en una constante búsqueda de algo que le ayude a soportar su existencia y la prostitución es lo único que le reconforta. La memoria es el punto de eclosión de todo ese dolor: depresión, suicidio, soledad, apatía y desasosiego. Para seguir avanzando, hay que dejar el pasado atrás. Al final emana un precioso mensaje de armonía con la naturaleza y de la esperanza de un futuro mejor.
La narración se desarrolla a través de un ritmo pausado y contemplativo, donde destaca la maravillosa interpretación de Kumi Takiuchi, la bella y sobrecogedora fotografía de Atsuhiro Nabeshima y la descorazonadora banda sonora de Yoshihiro Hanno.
FICHA TÉCNICA → Estreno: 27 de abril de 2018 | Director: Nobuhiro Suwa | Distribuidora: NUMAX | Género: Drama, Comedia
Nobuhiro Suwa en 1997 llamó la atención del mundo cinematográfico con la cautivadora "M/Other", ganadora del premio Fipresci en Cannes, así como mejor guión en Manichi, y varios galardones en Jeonju o Hochi. Desde entonces, nos ha regalado varias cintas con una sensibilidad excepcional como "Un couple parfait", mejor director y mención especial en Locarno, o "Yuki et Nina", nominada en Cannes. Después de 8 años de silencio, el cineasta presentó en la sección oficial de San Sebastián "Le lion est mort ce soir", conocida en España como "El león duerme esta noche".
La trama gira en torno a un actor veterano atrapado por el pasado, el cual se dispone a vivir en secreto en una casa abandonada en algún lugar de Francia, donde hace tiempo vivió Juliette, el gran amor de su vida. Un grupo de amigos descubre la misma casa, considerándola la localización perfecta para rodar su siguiente película de terror. Ahí es donde terminarán encontrándose y compartirán una experiencia única.
El cineasta japonés se despoja de su particular estilo fílmico que ha marcado su carrera desde "M/Other" y, siguiendo la estela formal y temática de su anterior largometraje, la preciosista "Yuki et Nina", que dirigió junto al francés Hippolyte Girandot, presenta una historia cargada de positivismo, alegría y optimismo contra los devenires de la vida. La muerte es el tema predominante del film, pero, tal y como nos comentó Suwa durante la rueda de prensa, en realidad se trata de una exaltación de la vida y el regalo que se nos ha dado. La muerte no es el final, sino el comienzo de algo mucho más hermoso. A través de sus personajes, el film presenta diferentes formas de cómo afrontar el duelo mediante el simbolismo de la alabanza vital del alma. La muerte es un vehículo místico con cierto carácter poético sobre el futuro: la trasmisión de la sabiduría de nuestros mayores a las nuevas generaciones.
Ante todo es un homenaje al cine, donde el relato está inmerso en el metalenguaje fílmico; el cine dentro del cine. La introducción de un elemento exógeno como una cámara dota al discurso de multitud de puntos de vista. Se profesa el verdadero amor de Suwa a la Nouvelle Vague francesa, en el que ha contado con el actor fetiche de Truffaut, Jean Pierre Leaud, cuyo trabajo en cintas de la talla de "La noche americana" o "Los 400 golpes" alcanzaron las altas cotas de la corriente francesa. Leaud está excelso en el papel de un actor semi retirado, donde se aprecia cierto carácter autobiográfico. Mención especial a la dulzura de Pauline Etienne, y en especial, el pequeño grupo de niños, los cuales nos robaron el corazón con su infantil visión sobre el cine, sobre todo, el joven Jules Langlade.
La trama gira en torno a un actor veterano atrapado por el pasado, el cual se dispone a vivir en secreto en una casa abandonada en algún lugar de Francia, donde hace tiempo vivió Juliette, el gran amor de su vida. Un grupo de amigos descubre la misma casa, considerándola la localización perfecta para rodar su siguiente película de terror. Ahí es donde terminarán encontrándose y compartirán una experiencia única.
El cineasta japonés se despoja de su particular estilo fílmico que ha marcado su carrera desde "M/Other" y, siguiendo la estela formal y temática de su anterior largometraje, la preciosista "Yuki et Nina", que dirigió junto al francés Hippolyte Girandot, presenta una historia cargada de positivismo, alegría y optimismo contra los devenires de la vida. La muerte es el tema predominante del film, pero, tal y como nos comentó Suwa durante la rueda de prensa, en realidad se trata de una exaltación de la vida y el regalo que se nos ha dado. La muerte no es el final, sino el comienzo de algo mucho más hermoso. A través de sus personajes, el film presenta diferentes formas de cómo afrontar el duelo mediante el simbolismo de la alabanza vital del alma. La muerte es un vehículo místico con cierto carácter poético sobre el futuro: la trasmisión de la sabiduría de nuestros mayores a las nuevas generaciones.
Ante todo es un homenaje al cine, donde el relato está inmerso en el metalenguaje fílmico; el cine dentro del cine. La introducción de un elemento exógeno como una cámara dota al discurso de multitud de puntos de vista. Se profesa el verdadero amor de Suwa a la Nouvelle Vague francesa, en el que ha contado con el actor fetiche de Truffaut, Jean Pierre Leaud, cuyo trabajo en cintas de la talla de "La noche americana" o "Los 400 golpes" alcanzaron las altas cotas de la corriente francesa. Leaud está excelso en el papel de un actor semi retirado, donde se aprecia cierto carácter autobiográfico. Mención especial a la dulzura de Pauline Etienne, y en especial, el pequeño grupo de niños, los cuales nos robaron el corazón con su infantil visión sobre el cine, sobre todo, el joven Jules Langlade.
2. SHOPLIFTERS
FICHA TÉCNICA → Estreno: 21 de diciembre de 2018 | Director: Hirokazu Kore-eda | Distribuidora: GOLEM | Género: Drama
El reputado cineasta Hirokazu Kore-eda, reciente ganador del premio Donostia del Festival de San Sebastián, después de dar un giro a su carrera hacia el genero judicial con "El Tercer Asesinato", la cual arrasó en los premios de La Academia Japonesa de Cine, vuelve con "Shoplifters" al drama familiar y costumbrista que ha caracterizado gran parte de su filmografía. Galardonada con la Palma de Oro en Cannes, nominada a los Critics' Choice y los Globos de Oro y precandidata al OSCAR representando a Japón . Se presentó en San Sebastián, Toronto o Asian Film Festival Barcelona.
La historia nos pone en la piel de una familia un tanto peculiar marcada por la pobreza que vive en el centro de Tokio. Aparentemente viven una vida normal, pero carente de cualquier decencia humana; su vida gira en torno al crimen para subsistir. Un día, Osamu y su hijo Shota, mientras están robando en una tienda, se encuentran con la pequeña Yuri, abandonada y congelada de frío, y ante tal descubrimiento la acogen en su casa. En un primer momento, su esposa Nobuyo se enfada, pero al final termina cediendo y decide hacerse cargo de ella.
A Kore-eda siempre se le ha considerado el digno heredero de Yasujiro Ozu y Miko Naruse. Sin embargo, "Un asunto de familia", como se conoce en España, se acerca más a la catártica narración de Satoshi Kon en la película de animación "Tokyo Godfathers", especialmente en esa transfiguración que rompe por completo con la visión conservadora y tradicional de la familia japonesa y cómo la supervivencia puede condicionar la existencia humana. Partiendo de un caso real, el cineasta construye un relato donde convergen el trasfondo temático y emocional que ha marcado gran parte de su carrera cinematográfica: desde la pérdida y la pobreza de su obra maestra "Nadie Sabe"; la relación familiar de "Still Walking" o "Después de la tormenta"; la soledad de "Air Doll"; pasando por muerte y la memoria de "After Live" y "Distance"; o la pureza de la sangre dentro del seno familiar de "De tal padre, tal hijo". Del fondo de la obra también subyace un profunda crítica al capitalismo impostado de occidente y al crecimiento económico vinculado a la modernidad como principal reflejo de la hipocresía de la sociedad, donde lo políticamente correcto engulle los sentimientos de los individuos.
Todo el humanismo y la sensibilidad que destila la cinta es gracias en gran medida al espectacular reparto, donde destaca la fragilidad de la fallecida Kirin Kiki, la templanza de Lily Franky, la protección maternal de Sakura Ando, la pureza de Mayu Matsuoka o la inocencia de los niños Kairi Jyu y Miyu Sasaki, que demuestran el profundo cariño por sus personajes. Por no hablar de la luminosa fotografía de Ryuto Kondo y la sutil banda sonora de Haruomi Hosono que dota a la cotidianidad de un lirismo desbordante.
A Kore-eda siempre se le ha considerado el digno heredero de Yasujiro Ozu y Miko Naruse. Sin embargo, "Un asunto de familia", como se conoce en España, se acerca más a la catártica narración de Satoshi Kon en la película de animación "Tokyo Godfathers", especialmente en esa transfiguración que rompe por completo con la visión conservadora y tradicional de la familia japonesa y cómo la supervivencia puede condicionar la existencia humana. Partiendo de un caso real, el cineasta construye un relato donde convergen el trasfondo temático y emocional que ha marcado gran parte de su carrera cinematográfica: desde la pérdida y la pobreza de su obra maestra "Nadie Sabe"; la relación familiar de "Still Walking" o "Después de la tormenta"; la soledad de "Air Doll"; pasando por muerte y la memoria de "After Live" y "Distance"; o la pureza de la sangre dentro del seno familiar de "De tal padre, tal hijo". Del fondo de la obra también subyace un profunda crítica al capitalismo impostado de occidente y al crecimiento económico vinculado a la modernidad como principal reflejo de la hipocresía de la sociedad, donde lo políticamente correcto engulle los sentimientos de los individuos.
Todo el humanismo y la sensibilidad que destila la cinta es gracias en gran medida al espectacular reparto, donde destaca la fragilidad de la fallecida Kirin Kiki, la templanza de Lily Franky, la protección maternal de Sakura Ando, la pureza de Mayu Matsuoka o la inocencia de los niños Kairi Jyu y Miyu Sasaki, que demuestran el profundo cariño por sus personajes. Por no hablar de la luminosa fotografía de Ryuto Kondo y la sutil banda sonora de Haruomi Hosono que dota a la cotidianidad de un lirismo desbordante.
FICHA TÉCNICA → Estreno: 10 de mayo de 2018 | Director: Masâki Yuasa | Distribuidora: SELECTA VISIÓN | Género: Drama, Comedia, Animación
El retorno al cine de animación de Masâki Yuasa tras más de 13 años de su primer largometraje "Mind Game", pero esta vez con su reciente estudio SCIENCE SARU. "The Night Is Short, Walk On Girl" viene avalado con el premio de mejor cinta de animación en la pasada edición de los Premios de la Academia Japonesa de Cine y su paso por festivales tan importantes como Londres, Sitges, Tokio, Annecy, Fantasia o Nippon Connection.
El director japonés, tras "The Tatamy Galaxy" (MADHOUSE, 2010), vuelve a confiar en el guionista Makoto Ueda para adaptar una de las novelas del reputado escritor Tomihiko Morimi. La historia gira en torno a un estudiante universitario, "Senpai", y la catártica travesía en la que se embarca durante una larga noche para conseguir el amor de la que llama "La doncella de pelo negro". Después de una serie de inverosímiles y "casuales" acontecimientos, ¿será correspondido por su amada?
Yuasa, como es habitual en gran parte de su dilatada trayectoria profesional, recurre a la abstracción más absorbente y al surrealismo onírico para representar la búsqueda del amor verdadero, aparentemente sencilla en el tratamiento, pero de una inmensa complejidad temática y formal. No sólo buscamos a una persona que corresponda nuestro amor, cosa que en ocasiones conduce al autoengaño, sino una razón alienante que dé sentido a nuestra existencia y dé forma a nuestra identidad individual como personas y la manera de relacionarse con el mundo. Una forma de mitigar la soledad en esta sociedad impostada llena de codicia y carente del cualquier tipo de emoción y decencia, sólo con el fin de enriquecerse a costa de los demás. En este poliedro existencial también coexisten temas tan capitales para el alma humana como la amistad, la madurez, el valor, la determinación, la mentira, la empatía y, sobre todo, la fugacidad de la vida; incluso hace un valeroso postulado a favor de la diversidad sexual. El tiempo se evapora ante nosotros y, si no lo disfrutamos, lo lamentaremos hasta el ineludible desenlace. A lo largo de la película se cruzarán en su camino una serie de personas y tramas entrelazadas que confluirán en una enseñanza sobre el desarrollo personal, con sus aciertos y errores, que definirán su experiencia vital, a través de los placeres de la noche.
Referente al apartado técnico, Yuasa vuelva a confiar en gran parte de su equipo de "The Tatamy Galaxy", esta vez con su estudio SCIENCE SARU, en el que sobresale el diseño de personajes de Yûsuke Nakamura a través de diversos tipos de trazos, tanto simples y arcaicos, como luminosos y definidos, con escenarios llenos de tonalidades cromáticas y contrastes profundos; así como la enigmática y preciosa banda sonora de Michiru Oshima, por no hablar del tema final de Asian Kung-Fu Generation. Hay que destacar también la labor del equipo de doblaje, en especial las voces de Gen Hoshino y Kana Hanazawa.
El director japonés, tras "The Tatamy Galaxy" (MADHOUSE, 2010), vuelve a confiar en el guionista Makoto Ueda para adaptar una de las novelas del reputado escritor Tomihiko Morimi. La historia gira en torno a un estudiante universitario, "Senpai", y la catártica travesía en la que se embarca durante una larga noche para conseguir el amor de la que llama "La doncella de pelo negro". Después de una serie de inverosímiles y "casuales" acontecimientos, ¿será correspondido por su amada?
Yuasa, como es habitual en gran parte de su dilatada trayectoria profesional, recurre a la abstracción más absorbente y al surrealismo onírico para representar la búsqueda del amor verdadero, aparentemente sencilla en el tratamiento, pero de una inmensa complejidad temática y formal. No sólo buscamos a una persona que corresponda nuestro amor, cosa que en ocasiones conduce al autoengaño, sino una razón alienante que dé sentido a nuestra existencia y dé forma a nuestra identidad individual como personas y la manera de relacionarse con el mundo. Una forma de mitigar la soledad en esta sociedad impostada llena de codicia y carente del cualquier tipo de emoción y decencia, sólo con el fin de enriquecerse a costa de los demás. En este poliedro existencial también coexisten temas tan capitales para el alma humana como la amistad, la madurez, el valor, la determinación, la mentira, la empatía y, sobre todo, la fugacidad de la vida; incluso hace un valeroso postulado a favor de la diversidad sexual. El tiempo se evapora ante nosotros y, si no lo disfrutamos, lo lamentaremos hasta el ineludible desenlace. A lo largo de la película se cruzarán en su camino una serie de personas y tramas entrelazadas que confluirán en una enseñanza sobre el desarrollo personal, con sus aciertos y errores, que definirán su experiencia vital, a través de los placeres de la noche.
Referente al apartado técnico, Yuasa vuelva a confiar en gran parte de su equipo de "The Tatamy Galaxy", esta vez con su estudio SCIENCE SARU, en el que sobresale el diseño de personajes de Yûsuke Nakamura a través de diversos tipos de trazos, tanto simples y arcaicos, como luminosos y definidos, con escenarios llenos de tonalidades cromáticas y contrastes profundos; así como la enigmática y preciosa banda sonora de Michiru Oshima, por no hablar del tema final de Asian Kung-Fu Generation. Hay que destacar también la labor del equipo de doblaje, en especial las voces de Gen Hoshino y Kana Hanazawa.
No hay comentarios